Bien qu'il ait été classé l'année dernière comme le métier le plus exigeant physiquement aux États-Unis , de nombreux Américains ne considèrent pas la danse comme un « vrai travail ». Même la partie de la société qui reconnaît la danse comme une profession honorable a probablement été soumise à une multitude de traitements de la danse par la culture pop, qui, au mieux, ne montrent qu'une partie de l'histoire et, au pire, dressent un tableau activement faux de la vie des danseurs professionnels. . Il est de notre devoir en tant que membres de la communauté de la danse de remplacer ces mythes par la vérité sur notre domaine, une étape à la fois.
Ici, nous discutons avec quelques ambassadeurs de Só Dança de ce qu'il faut pour être un danseur professionnel et de la manière dont nous pourrions travailler à démystifier les mythes entourant notre industrie. Nous devons d’abord montrer tout ce qu’il faut réellement faire pour être ou se former pour devenir un danseur professionnel.
LES DANSEURS
La danseuse Kenzie Thomas partage donc qu'elle danse au moins 40 heures par semaine. De s'entraîner six à sept jours par semaine à raison de quatre à huit heures par jour en tant que pré-professionnelle, elle partage désormais son temps plus équitablement entre le studio et la scène. "Pour Casse-Noisette à elle seule, ma compagnie fait 26 à 30 spectacles chaque année », explique-t-elle.
Après quatre à cinq heures d'entraînement intense chaque matin, le danseur de So Brady Farrar doit encore terminer ses devoirs scolaires et répéter tout le processus le lendemain. « Quand je rentre à la maison très fatigué et endolori, je dois encore me lever le lendemain et refaire la même chose », dit-il. "Si je travaillais très dur un jour, je pourrais avoir très mal pendant une semaine après."
En poursuivant son rêve de devenir ballerine professionnelle, la danseuse de So Tia Wenkman a non seulement consacré 40 heures par semaine plus des cours particuliers, mais a également voyagé d'abord à travers le pays, puis à travers un océan. «J'ai commencé le ballet quand j'avais cinq ans et à 13 ans, j'ai convaincu mes parents de déménager à travers le pays, d'une petite ville du Wisconsin à Phoenix, en Arizona, où j'ai commencé ma formation à la Master Ballet Academy», révèle-t-elle. "Après trois années de sang, de sueur et de larmes, mon travail acharné a porté ses fruits et j'ai déménagé à Londres pour me former à la Royal Ballet School."
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Il est facile de comprendre comment la danse a gagné son titre de métier le plus exigeant physiquement au pays. Si cela ne suffit pas à le qualifier de « vrai travail », voici quelques preuves supplémentaires. Kenzie affirme que la chose la plus difficile dans le fait d'être une ballerine est de faire en sorte que les mouvements difficiles semblent faciles. « Exécuter de longs ballets avec des pointes et exécuter des pas difficiles est tout un défi », dit-elle, « pourtant, on attend de nous que nous jouions notre rôle avec aisance. Cela prouve à lui seul que la danse n’est pas seulement un vrai métier mais aussi l’un des plus difficiles.
Tia constate une augmentation lente et généralisée du respect pour la communauté artistique dans son ensemble et estime que les médias sociaux sont un moyen de communiquer davantage avec le public en leur montrant non seulement le travail acharné qu'implique la profession, mais aussi le côté amusant de la profession. des choses. Comme Tia, Brady estime que la meilleure façon de lutter contre le rejet frustrant de la danse en tant que profession est de montrer aux gens ce qu’implique réellement la danse. Il rappelle aussi avec légèreté que « techniquement parlant, si vous aimez vraiment quelque chose, vous n’aurez jamais à travailler un seul jour de votre vie ».
Malheureusement, la beauté de la déclaration de Brady a souvent été exploitée de manière néfaste. Il y a eu d’innombrables arguments contre la nécessité de rémunérer les artistes parce qu’ils sont payés pour le plaisir, l’épanouissement ou pire… l’exposition. Nous ne pouvons qu'espérer qu'une fois que les gens comprendront ce qu'il faut pour atteindre le sommet d'une profession artistique, ils se rendront compte qu'il n'y a pas assez d'heures dans la journée pour poursuivre l'excellence artistique et occuper un emploi en dehors des arts pour subvenir à ses besoins.
Un autre problème majeur dans le monde de la danse est le manque d’engagement du public « non-danseur », un manque qui n’est pas si difficile à expliquer. Tout d'abord, il y a peu ou pas d'éducation sur la danse et peu d'occasions de danser de manière récréative à l'école primaire (contrairement à la musique qui donne lieu à un orchestre, au théâtre, qui propose des pièces de théâtre à l'école, et aux arts visuels, qui sont presque toujours proposés comme un moyen de danser). classe). Il existe également un air d’inaccessibilité qui entoure cette forme d’art, qui est souvent classée parmi les opéras et les pièces de théâtre élisabéthaines. Non seulement ces formes d’art sont considérées comme sophistiquées et coûteuses, mais en plus, comparer le domaine de la danse dans son ensemble à ces genres spécifiques de musique et de théâtre réduit à tort l’éventail des expériences que la danse a à offrir.
LES GENS NE SE BLESSENT PAS RÉGULIÈREMENT POUR LE RÔLE PRINCIPAL. LA DANSE EST BEAUCOUP PLUS AIMANTE QUE CELA, ET LE CONCOURS EST GRANDEMENT CONVIVIAL, SOUTIEN ET SAIN.
